He hablado sobre el problema del tiempo para muchas actrices quienes, con la llegada de los años, ven como sus carreras comienzan a menguar; aunque hay notables excepciones, parece que la mayoría de las estrellas solo “viven” hasta los cuarentas.

Muy por el contrario, para muchos actores masculinos la llegada de la madurez se transforma en una verdadera catapulta y no es raro el caso de que algunos de ellos vivan sus mejores años profesionales pasando cierta edad, tal es el caso de Anthony Hopkins quien alcanzó la fama internacional luego de cumplir los 50 años.

Nacido en una localidad de Gales (esa pequeña nación a un costado de Inglaterra de la que nadie se acuerda), la dislexia lo llevó a ocuparse más en cuestiones artísticas como la pintura y el piano.  Estudió en una academia de arte local y más tarde en la Real academia de Arte Dramático en Londres.

Inició su carrera en el teatro pero pronto se dio cuenta que lo aburría “repetir y repetir” cada noche las mismas líneas.  Su primera oportunidad en el cine se dio en 1968 con la cinta The Lion in Winter, protagonizada por Peter O’Toole y Katharine Hepburn, filmada en Irlanda y que recibió varias nominaciones para el Oscar.

Aunque siguió actuando en el teatro, Hopkins poco a poco fue integrándose al cine y a la televisión de su país donde fue escalando en fama y reconocimiento; durante los ochentas lo pudimos ver en aquella oscura y tétrica película de David Lynch, El Hombre Elefante.

El momento indudable en el que la carrera de Hopkins se transformó de un actor de carácter muy local a una estrella de Hollywood se realizó, de manera indudable, con The Silence of the Lambs (mal llamada El Silencio de los Inocentes) película de la que ya hemos hablado en este espacio y que obtuvo cinco Oscares.  El papel de Hannibal Lecter le dio el Oscar al mejor actor a pesar de que solo apareció 16 minutos en pantalla.

El Oscar, todos lo sabemos, es un gran detonante para una carrera cinematográfica por lo que pronto todo mundo quería un “pedazo” de Anthony Hopkins.

Al año siguiente participó en cuatro películas (en una de ellas compartió créditos con Mick Jagger) en la que destacan dos superproducciones: Chaplin y Drácula.  Fue en la segunda, por su perfil y la gran publicidad en torno a ésta, en la que más lo recordamos por su papel del caza monstruos Abraham Van Helsing (es el mismo personaje de la película de 2004; uno de los héroes de acción decimonónicos más famosos en su época y más olvidado en la nuestra).

Al final de la secuencia, es él quien se enfrenta a Drácula con el crucifijo.

La cinta fue un éxito en taquilla, se encargó de proporcionar varios clichés a la cultura pop y obtuvo tres Oscares, pero esta vez ninguno para Hopkins.

En 1993 hizo otras cuatro películas, una de ellas con Isabella Rosellini, entre las que destaca (a mi muy particular punto de vista) The Remains of the Day (Lo que Queda del Día); una introspectiva cinta basada en el libro de Kazuo Ishiguro y que narra la vida y muerte así como las pasiones de la servidumbre de una enorme mansión inglesa; el trasfondo de los “seres más pequeños” dentro de un ambiente aristocrático que los toma como “parte del mobiliario”.

Hopkins, cuyo papel protagónico lo hace encarnar a Stevens, el mayordomo, comparte créditos con Emma Thompson, James Fox, Christopher Reeve, Hugh Grant, y Ben Chaplin.  La cinta fue nominada para ocho Oscares (aunque no se sacó ni uno) y por supuesto que Hopkins estaba en la lista.

Al año siguiente aparece en dos películas, la que destaca es The Road to Wellville (dirigida por Alan Parker) y en la que representa al obsesivo y excéntrico Doctor John Harvey Kellogg, creador de los cereales con su nombre.  Es hasta 1995 cuando lo vemos estelarizar otra megaproducción, ésta vez de Oliver Stone: Nixon.

Su interpretación del controvertido presidente fue genial y la cinta causó revuelo, sobre todo entre los que siguen considerando a Nixon un salvador de la humanidad: Stone fue duramente criticado por “difamar” al presidente.  Por supuesto que la controversia ayudó a la película, que fue una de las más aplaudidas (y vistas) de ese año.

También fue nominada a cuatro Oscares, también Hopkins se encontraba en la lista, y también esta vez, se quedaron sin una sola estatuilla.

En los siguientes tres años interpretó a Picasso (Surviving Picasso), al presidente John Quincy Adams (en la terrible película Amistad) y a un Zorro en jubilación al lado de Antonio Banderas.  También destaca su papel como el del poderoso editor Charles Morse que junto con un empleado y posible Sancho (Alec Baldwin) intenta sobrevivir en Alaska luego de un accidente de aviación en The Edge (no me acuerdo de su nombre en español).

Sin olvidar, por supuesto, Meet Joe Black (¿Conoces a Joe Black?), donde interpreta a Bill Parrish un rico empresario que “guía” al Angel de la Muerte (Brat Pitt) a través de los placeres del mundo.

El film estaba basado en una película de los treintas y fue criticado por su larga duración; no cubrió las expectativas que le daba su reparto aunque fue un éxito fuera de Estados Unidos.

Luego de la década de los noventas la carrera de Hopkins ha seguido en ese nivel que se asentó en sus principios, aunque sin la espectacularidad del Silencio de los Inocentes: en los dosmiles pudimos ver a Hannibal Lecter en otras dos cintas así como producciones de la talla de Bad Company, The World’s Fastest Indian y, por supuesto, en Hearts in Atlantis, una de las pocas cintas que le hacen el honor a un libro de Stephen King.

Hopkins podría ser uno de los más aclamados “actores de carácter” en la actualidad.  Su presencia en una cinta se “siente” y puede transformarla. Nombrado caballero, es en la actualidad una institución sin embargo no hay que olvidar que todo empezó luego que lo vimos representar a uno de los más grandes villanos de los noventas.

Para mediados de los ochentas Quentin Tarantino se encontraba trabajando en un video club llamado Video Archives en Manhatan Beach (sudoeste de Los Ángeles) donde pasaba largas horas discutiendo sobre cinematografía con su amigo Roger Avary. Por alguna extraña razón en ese sitio iban a trabajar varios que más tarde triunfaron en Hollywood.

Tarantino había dejado la escuela desde los 15 años para inscribirse en una academia de actuación y en esos entonces no era más que un empleado dispuesto a dar consejos a los clientes sobre las películas. Fue en una fiesta que conoció a Lawrence Bender quien lo convenció de hacer un guión; al parecer recibió una especie de revelación, por que luego de tres semanas había escrito Reservoir Dogs.

La idea original era la de hacer un muy bajo presupuesto con la ayuda de sus amigos sin embargo el actor Harvey Keitel, a quien le propusieron que actuara en la cinta, le interesó el guión y ayudó a juntar dinero para su producción. Lo que había empezado como un proyecto de garage terminó en una producción con todas las de la ley con un presupuesto de millón y medio de dólares.

Es desde este film donde Tarantino deja en manifiesto su muy particular estilo: brincos temporales que a veces confunden al público, la utilización de la violencia, a niveles extremos que incluso “sacaron” a la gente de la salas, todo esto condimentado con múltiples referencias a la cultura popular así como un lenguaje tan profano como el de la calle. Otro de los elementos a resaltar es el hecho de que la película, aunque trata de un robo, nunca muestra su realización.

Reservoir Dogs pasó desapercibida en Estados Unidos pero logró cierto éxito en la Gran Bretaña; gracias a éste pudo ser incluida en el Festival Sundance donde la crítica especializada la conoció y cayó rendida ante la obra de Tarantino; una revista la nombró “La mejor película independiente jamás filmada” y hasta la fecha está considerada uno de los hitos del cine independiente.

Ironicamente la cinta solo llegó al “Mainstream” luego del éxito de la siguiente obra de Tarantino: Pulp Fiction.

Tiempos de violencia

Después de este primer casi-éxito, Tarantino comenzó a tener renombre; escribió dos guiones True romance y Natural born killers, esta última llevada a la pantalla de manera magistral por Oliver Stone.

Al director le fueron ofrecidas las direcciones de varias películas (entre ellas la infame Speed) sin embargo este prefirió retirarse a Amsterdam donde escribió, junto con Avery, su primer éxito a nivel comercial: Pulp Fiction.

Recuerdo muy bien cuando un amigo me dio su opinión sobre esa película (yo aún no la había visto).  Este cuate estaba en cierta manera turbado por la escena en que Travolta y Jackson matan a un individuo que primero les dispara y falla.  Este amigo, aunque no me lo dijo, estaba en medio de un conflicto moral por que la secuencia le había causado risa.

Creo que es una de las características de Pulp fiction, el retrato de la violencia como una simple broma; Tarantino la maneja como si de un elemento estético y maleable se tratara.  Los personajes no son “malos” hollywoodianos intrínsecos; no son fuerzas oscuras de novela sino simples individuos que las circunstancias los han llevado a utilizar la violencia para lograr sus metas, aunque a veces esta meta sea la simple necesidad de sobrevivir.

Algo que a mi me impacta es la forma en que el personaje de Jackson recita pasajes bíblicos cuando está a punto de matar.

Pulp fiction es literalmente una historia de la violencia por la violencia. Sus personajes parecen ser llevados de manera fatal por fuerzas que no pueden controlar: la esposa del jefe mafioso con sobredosis, la increible coincidencia de encontrarnos en plena calle con quien juró perseguirnos por todo el mundo para matarnos, de como este mal momento puede incluso empeorar gracias a pervertidos neofacistas; de como la violencia se transforma en una especie de cárcel y de como es imposible, a pesar de tomar la más firme resolución, abandonarla.

La escena final, en la que nuestros dos pistoleros se encuentran desayunando en un restaurante (con sus “chorsitos” y playeritas de turistas) ensimismados en una profunda charla filosófica sobre la violencia, solo para ser asaltados, es de una ironía que bien valdría un estudio de doctorado.

La película de Tarantino esta vez pudo lograr un reparto de primerísima línea (John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman y Bruce Willis entre otros) y destacar de manera absoluta.

En mayo del 94 fue presentada en Cannes donde fue todo un éxito, de ahí realizó un recorrido por los principales festivales de cine del mundo, donde siguió recibiendo críticas muy positivas y fue hasta octubre de ese año que salió en cines en Estados Unidos.  Aunque en un principio no fue proyectada de manera masiva, muy pronto comenzó a imponerse en todo el país; se trasformó en la primera película independiente en superar la barrera de los 100 millones de dólares.

Aunque Pulp fiction fue alabada por la mayoría de los críticos hubo quien acusó a Tarantino de hacer apología de la violencia y de regodearse en ésta; gracias a cineastas como él ,Hollywood se encontraba en bancarrota moral (¿¿se encontraba??).  No hay que olvidar que en esa época también vimos Natural born killers entre otras cintas que “lucraron” con la violencia.  Sin embargo fue nominada a 7 Oscares aunque solo logró el de mejor guión original, obra de Tarantino junto con Roger Avary.

Luego de Pulp Fiction, en 1995 fue invitado a participar en Four rooms, un proyecto que pasó sin pena ni gloria que involucraba cuatro historias (relacionadas) cada una de ellas dirigida por distintos directores entre los que se encontraba Robert Rodriguez quien dirigió más tarde From dusk till dawn con guión y aparición de Tarantino. Por cierto, esta cinta es uno de los pininos de Salma Hayek en Hollywood (como olvidar esa serpiente).

La última película noventera de Tarentino fue Jackie Brown; también una apología al crimen y la violencia, esta cinta tiene la característica de que la mayoría de las escenas “fuertes” ocurren fuera de cuadro (siempre he pensado que un buen director también tiene que tener la capacidad de hacernos imaginar -y temer- cosas que no vemos).  La película es una versión libre de la novela Rum Punch de Elmore Leonards y mientra usa en sus sitios estelares a dos actores que normalmente hacían papeles de reparto, Pam Grier y Robert Forster, deja en segundo plano a Robert De Niro y Michael Keaton.

Aunque esta película parece ser la “hermana menor” de las dos anteriores, es por si misma una gran cinta que no deja mal parado a Tarantino.

Aunque fiel a su espíritu independiente, la obra de Tarantino ha pasado, necesariamente, a transformarse en corriente principal.  Son muchos los que han tratado de seguir sus pasos y en la actualidad sigue en muy fervorosa actividad; al parecer está por estrenar una película de guerra (no quiero imaginar lo que vamos a ver) por lo que todavía tenemos Tarantino para rato, sin embargo nunca, en lo personal, voy a dejar de considerar Pulp Fiction como uno de los eventos cinematográficos más importantes de la década de los noventas.

Resulta que una tienda británica de música y video realizó una encuesta para determinar cual ha sido la mejor película romántica de todos los tiempos. La toma de opinión generó una ganadora que la verdad se me hace algo sorpresiva (creo que hay mejores opciones) sin embargo la película es netamente de los noventas, contiene una de la escenas más recordadas de la década y una de las más “recurridas” a la hora de hacer sátiras: Ghost

Estrenada en 1990 y mal llamada La Sombra del Amor en México, fue la entrada a las grandes ligas de Patrick Swayze y la consolidación de Demi More como una de las actrices más representativas de un par de décadas.

Si no la han visto y gustan de películas melosas y lacrimógenas donde al final vence el amor puro y verdadero, pues es su película. Swayze y More tienen una aparición bastante aceptable mientras que la que se lleva la película, y que le dieron el Oscar a la mejor actriz de reparto, fue Whoopi Goldberg.

Me encanta el vestidito rosa con sombrerito de la Goldberg

En lo que se refiere a efectos especiales, Ghost tuvo una serie de imágenes nunca vistas, las secuelas de los trenes, donde el espíritu de Sam Wheat conoce al fantasma del tren y aprende a “interactuar” con el mundo físico, ahora se ve bastante “normalita” sin embargo en 1990 eran tomas espectaculares.

Sin embargo las escenas más memorable son dos: al principio, cuando la pareja vivía en medio de su amor, una noche en que Molly Jensen se encuentra trabajando con su torno (¿alguna vez he dicho que soy acérrimo admirador de Demi More? Ya se enterarán) su novio (o lo que sea, nunca lo especifican) comienza a apapacharla y a dizque ayudarle con el barro, de fondo se escucha la rola Unchained Melody (que muchos desde ese entonces le dicen “La canción de Ghost”).

El caso es que ambos acaban concentrados en labores propias de su sexo, siempre con el mismo fondo musical.

¿Se han fijado que película en que sale la More, es película en la que se encuera?

Por supuesto que Unchained Melody (la versión de los Righteous Brothers) se transformó en el hit y el obligado para las novias noventeras en su boda (si les platicara…). La escena ha sido satirizada de muchas formas y a todos los niveles. Existe por ahí una en una de las tres versiones de Naked Gun que es para morir de risa.

Por su parte la escena final también forma parte de la iconografía hollywoodiana noventera; los malos reciben su merecido y llega el momento en que la pareja, cada uno de su lado, se da cuenta que se tiene que separar sin embargo saben que se amarán por siempre (que cursi me salió).

¿Se fijaron que bien se va la More con el pelo corto?

A manera de final una confesión: Dice mi papá que cae antes un hablador que un cojo. Cuando me vi en los avatares de la organización de mi propia boda la canción de Unchained Melody salió a relucir como “la primera pieza” en la recepción. Debo de decir que acepté, pero antes de que comiencen a tacharme de cursi y de poco original he de decir que la razón se impuso y a final de cuentas acabamos bailando esta versión:

La historia de Harry Potter se gestó a bordo de un tren retrasado que cubría la ruta de Manchester a Londres. A bordo se encontraba Joanne Rowling quien tenía la afición por escribir pero que nunca había intentado nada serio. De manera casi mágica se le ocurrió la historia de un niño que descubría de manera casi accidental que tenía poderes mágicos.

Corría el año de 1990 y la escritora en ciernes estaba por comenzar una de las etapas más depresivas de su vida; perdió a su madre luego de una enfermedad terrible, se casó con un portugués para luego divorciarse y quedar sóla con una hija, sin trabajo y dependiente de los servicios sociales.

En ese contexto se escribió el primer libro de la serie del niño mago: Harry Potter y la Piedra Filosofal.

Rowling aplicó mucho de lo que vivió a la novela como, por ejemplo, la tristeza de la pérdida de su madre. El libro, que fue rechazado por el primer editor, fue publicado en la Gran Bretaña en 1996 por una editorial pequeña llamada Bloomsbury, a la escritora le cambiaron el nombre por J.K. Rowling para que los niños se fueran con la finta de que era un hombre; el dueño de la editorial le recomendó a la escritora que de todas formas se consiguiera un trabajo por que “no había mucho dinero en el negocio de los libros infantiles”.

Hay que decir que en la Gran Bretaña existe una gran tradición por los libros infantiles y juveniles y que los libros tipo “serie” son cosa común desde hace décadas por lo que, contrario a lo que ocurre en países como el nuestro, Harry Potter salía a competir en un mercado sumamente saturado.

Creo que sería reiterativo y obvio decir que el libro de Rowling fue un éxito.

En lo personal, que he leído todos los libros de la serie menos el último, puedo decir que el éxito de la serie se debe a la combinación de varios elementos: El primero, un mundo mágico ideal, nos trae  de regreso nuestros más caros deseos infantiles ¿Quién no ha deseado alguna vez en su vida tener los poderes para cambiar la realidad?

Pero esta magia es el marco de desarrollo de una historia muy bien fundamentada con elementos que no nos son desconocidos: Harry Potter es el huerfanito (Oliver Twist/Annie) que vive en un mundo horrible y que gracias a un factor externo consigue escapar de esa terrible realidad.

Harry también tiene superpoderes (Superman) y con ellos no solo mejora su vida si no que hasta lucha en contra del mal.

El tercer punto ya cae dentro de los temas mesiánicos: Harry Potter va a ser el encargado de luchar y derrotar al mal (que conste que no he leído el último libro); el ha sido llamado por poderes externos desde su infancia a luchar contra el mal y salvar al mundo de éste.

Si a esto le agregamos el entorno deliciosamente libre de los magos y de la escuela, que a final de cuentas la magia es para hacer “lo que se quiera” con el mundo real, pues obtenemos una receta perfecta para el éxito.

Los siguientes tres libros de la serie salieron casi en serie durante los tres siguientes años; Rowling nos acostumbró a uno por año, en el transcurso firmó contratos con Hollywood y el niño mago saltó a la fama internacional transformándose en uno de los íconos de nuestra época y que abarca prácticamente todos los medios.

Si uno busca la lista de los autores más vendidos se encontrará con que Rowling ocupa el lugar once, justo debajo de León Tolstoi (¡!) y arriba del megaprolífico Stephen King, de John Grisham y del alabado Tolkien. Si analizamos la lista nos damos cuenta de lo exitoso que ha sido el ciclo del mago cuando vemos que la única persona, de los primeros 20 de la lista, que ha escrito menos de 25 libros es la creadora de Harry Potter.

Se calcula que la fortuna de Rowling supera los mil millones de dólares, sus libros podrían haber llegado a 400 millones de copias vendidas en más de 60 idiomas y sus películas siguen siendo excelentes negocios.

Hay que decir que la franquicia Hollywoodense, que en estas épocas de sequía creativa se abalanza contra cualquier cosa que sea novedosa.  También ha sido un éxito en el cine, ya que los libros han tenido buenas adaptaciones.  Aquí lo que yo recomendaría, si no lo han hecho, la lectura del primer libro; es sencillo y fácil y su historia es bastante buena y entretenida; si no tienen la costumbre de leer esta podría ser una magnífica puerta de entrada.

Yo en lo personal he tenido un doble placer con la serie; primero la leí por mi parte y luego, en éste último año, he comenzado a leerla a mi hijo. Me ha gustado mucho la reacción que ha tenido ante una historia que es muy interesante y que, por mucho, supera a su pálida y escueta versión cinematográfica.

Uno de los tumbos que he dado en la vida me llevó a formar parte de un consejo electoral local, el 21 del Distrito Federal para ser exactos. La democracia en esta ciudad estaba nueva, fue la primera elección donde los chilangos elegimos gobernante y eran épocas de mucho optimismo.

Fue después de las agotadoras jornadas postelectorales, donde había que contar los votos y “torear” a la oposición absurda y chabacana de un par de partiditos de bolsillo (creo que ya ni existen) que una de las consejeras me dijo: ¿Por qué no nos escapamos al cine?

A lo largo del año habíamos tenido muchas oportunidades de trabar esas conversaciones para rellenar espacios y habíamos coincidido en una afición por la ciencia ficción que, aunque era más del tipo literario que del cinematográfico, pudimos descubrir que a ambos nos gustaban ciertas obras como 2001 y Blade Runner.

Aquella tarde llegamos al cine y ella dijo: me recomendaron El quinto elemento, yo sin saber como ni de que trataba me metí a verla. No sabía que estaba a punto de ver una de las películas que integran la lista de mis favoritas de todos los tiempos.

The fifth element está ubicada en el Nueva York del siglo 23; mientras la humanidad enfrenta un enemigo desconocido compuesto de maldad pura, el destino de Korvin Dallas (Bruce Willis), taxista y ex miembro de las fuerzas especiales, se ve involucrado en el asunto gracias a su encuentro accidental con Leeloo (una deslumbrante Milla Jovovich), una extraterrestre “perfecta”.

La película es una mezcla muy acertada de comedia y acción dentro de una distopía en la que a las grandes organizaciones y los grandes capitalistas no les importa la destrucción de la tierra si pueden obtener una ganancia con ello.

La cinta fue una producción netamente francesa, utilizó los servicios creativos de Jean Giraud y Jean-Claude Mézières ambos realizadores de comics (el primero de ellos es mejor conocido como Moebius, una leyenda para los fanáticos del medio) y la dirección corrió a cargo de Luc Besson, cineasta francés que más tarde se hizo muy notorio en Estados Unidos con películas como la historia de Juana de Arco (también con Jovovich) y Bandidas con Salma Hayek y Penélope Cruz. A Besson también se le recuerda por la primera versión (la francesa, la original) de Nikita y Le Grand Bleu, aquella historia de los buzos de profundidad que es narrada de manera tan romántica que raya en el idealismo.

Los diseños para El quinto elemento se comenzaron a hacer por ahí de 1990, los vestuarios son exageradamente cuidados y detallados, se crearon unos mil disfraces y, aunque estuvo situada en Nueva York, la mayoría de la película se filmó en Inglaterra y las escenas del desierto en Mauritania.

Una de las características que más llamaron mi atención fue la selección de los actores: aunque Willis y Jovovich podemos calificarlos como que cumplen con el estereotipo hollywodense de ser muy atractivos, el resto de los actores (salvo algunas excepciones) son caras muy especiales; no me atrevería a decir que son feos si no, con características únicas: por ejemplo las chicas de la nave espacial que, aunque no cumplen con los estereotipos de belleza, tienen un atractivo muy característico y escogido de una manera muy puntual.

El caso ideal para explayar esto es el personaje del presidente que, viéndolo fríamente, parece más un taxista o un maleante digno, más bien, de una película de Tarantino.

Para caer más en el aspecto técnico me gustaría hablar de algunas  secuencias en particular:

Esta es la presentación de la diva Plavalaguna (en las lenguas eslavas significa Laguna Azul, película cuya segunda parte protagonizó Jovovich –un deleite voyeurista, por cierto-); comienza a cantar una ópera que pronto se transforma en algo más movido, noten como la música sirve como elemento dramático al pleito con los Mangalores.

Otro elemento al cual Besson le sacó un provecho que, hasta ahora nadie ha podido, fue el actor Chris Tucker que encarna al andrógino DJ Ruby Rhod que le da a la película esa comicidad, casi sin proponerlo, que la hace única:

Este es un ejemplo de la comedia (a veces muy negra) que parece ser intrínseca al guión: Dallas es enviado a “negociar” con los Mangalores.

Cada vez que la pasan por televisión la veo (la pasan muy seguido) por que es una película que disfruto mucho: su comedia cínica y a veces torcida, la actuación de Willis que en realidad no actua, solo es como es, el atractivo visual de Jovovich y los efectos especiales de un universo bastante cínico y autocomplaciente; creo que la sociedad reflejada en El quinto elemento no está tan alejada de la nuestra.

Para los que nos decimos “estudiosos” de los medios de comunicación la televisión siempre ha sido una especie de ente maligno. La premisa normal es que el medio, salvo honrosas excepciones, lo único que transmite es basura.

Emilio “el Tigre” Azcarraga decía, parafraseando a Marx, que la Televisión “era el (nuevo) opio del pueblo” pero que este opio era “del bueno”. Aunque a lo largo de la historia de “la caja idiota” han existido numerosos intentos de mejorar el contenido, es patético reconocer que son los esfuerzos en sentido contrario, es decir, bajar los niveles para así alcanzar una mayor audiencia.

Uno de esos esfuerzos se concretó en los noventas y es que en esta década surgió uno de las formas más nefastas de hacer televisión: los Reality Shows.

Podría decirse que The Real World fue el primer programa Reality Show de proyección mundial: transmitido por MTV, fue el pionero de su género en Estados Unidos (y de paso el que mejor conocemos). Está basado en una serie holandesa llamada Nummer 28 y su premisa era la de juntar a varios desconocidos y ponerlos a vivir en una sola casa llena de cámaras; las interacciones, los conflictos y los romances generados dentro de la casa iban a dar el guión.

El programa de MTV tuvo un gran éxito ya que llegó a 20 temporadas y fue realizado en varias ciudades de ese país, desde Hawaii hasta Nueva York. De hecho ha corrido de manera prácticamente ininterrumpida desde 1992 hasta el día de hoy: Real World Brooklyn estrenó su primer capítulo la semana pasada (7 de enero de 2009).

Aunque hubo varios shows precursores de lo que hoy vemos en la pantalla fue una película la que supo predecir en gran medida el futuro de la televisión: The Truman Show.

A caballo entre la parodia y la distopía, la cinta habla sobre un programa televisivo cuyo protagonista no sabe que su vida se desarrolla en un mega-estudio de TV. La vida, las penas y las alegrías de Truman son seguidas, día a día, por miles de teleadictos. Truman es un producto y, como tal, genera grandes beneficios a la televisora que es su “propietaria”.

El Final, cuando Truman sale (literalmente) a la realidad

The Truman Show se estrenó en 1998, no se si por casualidad o inspiración pero tan solo un par de años después se estrenó, también en Holanda (buenos quesos, pésima televisión), Big Brother lo que podríamos llamar la mamá de los Reality Shows de la década siguiente.

No tengo que decir del éxito de la serie; basada en el Gran Hermano de la novela 1984 de George Orwell, intentaba ser una continua vigilancia de ocho o más individuos encerrados dentro de una casa.  La franquicia se vendió en 70 países, nosotros tuvimos que sufrir unas 8 temporadas (entre el normalito y el VIP) y en algunos países como la Gran Bretaña y España la serie sigue al aire.

Por supuesto que, luego del éxito de la locura de Big Brother, los productores de TV no dejaron pasar la oportunidad y se embarcaron en las más diversas opciones, desde la búsqueda de talento hasta seguirles el rastro a los famosos (aunque sean tan desagradables como los Osbourne).

El fenómeno ya forma parte de la cultura popular y hasta sesudas tesis e investigaciones se han realizado al respecto; el Reality Show es denostado por algunos pero fielmente seguido por otros; un género que se inventó en los noventas.

Luego de La Tarea, de Jaime Humberto Hermosillo, el público mexicano comenzó una especie de “reconciliación” con el cine producido en el país. Por primera vez en muchos años comenzamos a ver filmes de verdadera calidad, con guiones sencillos y actuaciones frescas.

Durante los primeros años de la década llegaron a la pantalla, y la gente fue a verlas –que es lo más importante- una serie muy interesante:

La mujer de Benjamín, de Carlos Carrera. Una cruda historia de la vida y el amor de un hombre viejo, habitante de un pueblo miserable, que “se roba” y seduce a una muchacha; la cinta es una crítica al atraso y la miseria en el campo mexicano.

Danzón, de Maria Novaro y con actuación de María Rojo que se transformó durante ese lustro en la máxima diva del cine mexicano. Una visión femenina de los hombres, del mundo y de un estilo de baile que en algunos lugares de nuestro país adquiere el rango de religión.

Solo con tu pareja, de Alejandro Cuarón, una divertida pero a la vez crítica historia en torno a las relaciones de pareja, el SIDA y la vida de los solteros post-crisis en la ciudad de México.

Sin embargo la película que en verdad marcó esa primera etapa de los noventas fue la muy reconocida Como agua para chocolate:

La película está basada en la novela homónima de Laura Esquivel; un relato romántico en un poblado de la frontera donde la historia de Tita, su madre, sus hermanas y las aventuras en torno al amor, la revolución y la vida de una chica que trata de evadir su destino.

Lo interesante de la película, y de la novela, es que la historia va alternada con las recetas de cocina que, gracias al manejo de la dirección, se transforman en co-protagonistas y llegan a influir en la trama:

Técnicamente la película de Alfonso Arau es magnífica (fuera de algunos errores en el audio), la fotografía de Emmanuel Lubezki parece de película extranjera y la ambientación y el vestuario de es de gran escuela.

En ese 1992 pudimos sorprendernos: la cinta de Araú rompió récord de permanencia en salas, cosa que no se veía desde la mentada época de oro, y Como agua para chocolate pudo pelearle audiencia a películas estadounidenses como Robin Hood, El Silencio de los Inocentes y la Familia Adams.

La película fue un revelación en toda forma; nos dimos cuenta que el cine nacional podía salir del “cabrito western“, de los albures y las ficheras y no solo consolidarse a nivel local si no hasta tracender en el extranjero; la película recibió muy buena crítica tanto en Estados Unidos como en Europa.

Creo que el gran éxito de Titanic se basa en la posibilidad de conciliar dentro de una sola película dos géneros muy distintos y atractivos para dos tipos de público, me explico:

Por un lado tenemos el romance entre Rose y Jack (Kate Winslet y Leonardo DiCaprio). La joven que está condenada por la familia y la sociedad a casarse en contra de su voluntad se encuentra, de manera repentina, ante una puerta de escape con un escritor amigo de las aventuras y de la buena vida. Esto es el más puro estilo de las mejores historias románticas.

Para el lado sentimental y femenino del público la historia es hermosa pero con un final terrible y esperanzador a la vez; a pesar de que Jack muere en la tragedia, Rose queda marcada de por vida por ese efímero amor, cosa que la lleva a experimentar la vida al máximo.

Para cualquier mujer la película pudo haber tratado nada más que de eso.

Por la otra parte nos encontramos ante la tragedia y la destrucción; una enorme construcción, un medio de transporte nunca antes visto se dirige hacia su perdición; la posibilidad de ser testigo directo de una de las tragedias más grandes del siglo veinte no se puede eludir.

Para el lado masculino de acción, destrucción y violencia la película contiene todo lo que un buen film de acción y desastre requiere: valor, arrojo, la lucha mortal del hombre en contra de la naturaleza y de las más terribles consecuencias de su vanidad.

Para cualquier hombre la película pudo haber tratado nada más que de eso.

Un proyecto de una vida

James Cameron comenzó a desarrollar la idea de Titanic dos años antes. El señor tiene una especie de fijación por los desastres marítimos y se dio el lujo (y el riesgo) de bajar los 3,800 metros de profundidad a los que se encuentra el barco para hacer unas tomas.

A partir de ahí, para realizar el guión, hizo una colosal investigación tanto del barco como de los que iban a bordo para agregar la máxima realidad al film; según palabras de Cameron, quería que la gente realmente sintiera haber estado ahí.

Para la filmación la 20th Century Fox compró terrenos en Rosarito Baja California y realizó un maqueta tamaño real del barco donde se hizo la producción que no careció de problemas: desde una insurrección por parte de los extras mexicanos (que estaban hasta el copete de pasarse el día en agua fría, comer comida de menor calidad que los “gringos” y de aguantar al divo DiCaprio) hasta la enfermedad de los actores principales (a ellos si los consentían con las gripas) y los modos dictatoriales de Cameron. Tenían planeados 130 días de producción que se extendieron hasta los 160.

Además de la filmación en vivo, Titanic requirió de muchos efectos especiales y durante la edición de la película se optó por cambiar el final. En la escena donde la vieja Rose está por tirar el collar al mar, el guión original mostraba que Brock Lovett (el cazador de tesoros) la descubría pensando que ella trataría de suicidarse. Luego de “impedirlo” ella le descubre que el collar lo había tenido ella todo el tiempo y que no valía un vida. A final de cuentas ella lo lanza y regresa al camarote.

Creo que no tengo que decir que la película fue un éxito absoluto: la más taquillera en la historia de Hollywood ($1,848,813,795 de dólares), en algunos cines permaneció por casi un año en exhibición y fue vista prácticamente en todo el mundo.

Empató el récord de más denominaciones para el Oscar (14) que incluían mejor película, mejor dirección, mejor vestuario y mejores efectos visuales. Obtuvo once, la segunda película en lograrlo. La canción My Heart Will Go On interpretada por Celine Dion ganó un Grammy y ha sido uno de los singles mejor vendidos en la historia de la música.

Si Cameron intentó llevar al público al sitio del naufragio del Titanic, creo que lo logró de manera rotunda. Estoy seguro de que muchos han visto la película en DVD y otros sistemas de video casero pero el hecho de haberla visto en la pantalla grande y con el sonido de una sala de cine puedo decir que fue una experiencia arrolladora (creo que estoy hablando como hombre de películas de acción).

El hecho de haber visto Titanic en una sala de cine es una de las principales marcas que cualquier noventero (que se precie de serlo) debe de haber tenido.

Nota al margen:

No pude evitar la tentación de poner esto que me encontré en YouTube:

El Titanic Mexicano

Para 1990 yo me sentía experto en cine; en la universidad había llevado un par de cursos, tanto de historia como de técnica del cine, por lo que a la hora de ver películas estaba seguro de ser una autoridad. En ese inicio de década estaba comenzando lo que más tarde se le conoció con el esperanzador nombre de “Nuevo Cine Méxicano” un pequeño movimiento que parecía ofrecer mucho a partir de una serie de cintas.

Rojo amanecer nos había mostrado la década anterior los horrores de Tlatelolco y todavía varias películas estarían por darnos esperanzas respecto al cine nacional: en ese contexto se filmó y se exhibió La Tarea con María Rojo y José Alonso.

La historia es sencilla, tal vez demasiado: a una estudiante (ya madurita) de cine le es encargada una tarea; ella pretende hacerla utilizando a un viejo amigo al que invita a su casa para filmar (grabar) el reencuentro a escondidas. Aunque el amigo se da cuenta, y al principio se niega y hasta se sale de la casa enojado, al final accede a seguir con la “película” que no es más que un largo encuentro amoroso interrumpido por algunos factores circunstanciales.

Al final de la película (aquí va el spoiler) nos damos cuenta de que el supuesto encuentro entre dos amigos que no se veían hacía mucho tiempo es falso y, aunque la asignación de la clase de cine sí es cierta, el esposo de Virginia se hace pasar por el amigo para ayudar a su mujer a hacer la tarea.

Se puede decir que la idea es bastante buena y aunque a Carlos Humberto Hermosillo (el director) recibió muchas críticas favorables sobre la cinta a mi de plano no me gustó que la ÚNICA edición de toda la película (tomada toda desde el punto de vista de la cámara escondida, de manera continua y sin cortes) está malhecha. Sin embargo como comunicólogos nos dio tema para debatir largo y tendido.

María Rojo que, en la actualidad, está metida de lleno en la política

La recepción de La Tarea fue muy variada. La idea es bastante buena y creo que es la única película mexicana (y de las pocas del mundo) hecha con una sola toma. Donde la cosa toma otro carisma, es la cuestión del sexo. Para variar, los sectores más conservadores pusieron el grito en el cielo y la tacharon de pornográfica.

Si la historia trataba básicamente de una pareja haciendo el amor, no se qué les extrañó, sin embargo, a pesar de que hay desnudo (y mucho) a lo largo de la película, este no llega a ser desagradable, grosero o grotesco.

El éxito de la cinta fue tal que no tardaron en inventar una obra de teatro con el mismo tema, también con Maria Rojo pero su “objeto” de estudio fue Ari Telch. La puesta en escena estuvo mucho tiempo en cartelera y recuerdo que infinidad de veces entrevistaron a los dos actores para preguntarles de manera morbosa ¿y lo “hacen” de a de veras?

Cinematográficamente hablando los noventas fueron todo lo contrario a la década anterior en materia de cine: pudimos ver muchas cintas de bastante calidad. La Tarea podría ser la marca que indica ese pequeño renacimiento.

Según mi humilde opinión la segunda trilogía tuvo dos defectos: salió muy tarde y George Lucas se equivocó al ubicarla temporalmente antes de la primera.

Me explico:

En una galaxia muy lejana, mucho tiempo después…

La primera trilogía terminó con la victoria de los rebeldes luego de la batalla de Endor. Han Solo se queda con la chica, Luke Skywalker se transforma en el papá de los Jedis y todos viven felices y contentos apapachando a unos ositos de peluche llamados Ewoks.

La trama estaba sanjada, los malos muertos y la democracia así como la libertad restauradas. Temáticamente hablando ya no hacía falta más.

Pero si argumentalmente habíamos finiquitado el tema otra de las cosas que se habían acabado era la euforia. Luego de más de 15 años y hasta el día antes de que Lucas amaneciera con la idea de revivir a la lejana galaxia, si alguien hubiera preguntado a los fanáticos sobre una posible secuela (o precuela) hubiera respondido que eso era imposible.

Star Wars había “pasado” y ya ocupaba su muy prominente lugar en la mitología geek Sci-Fi; se había transformado en toda una película de culto.

Cuando comenzaron los chismes respecto a su regreso la mayoría de los fanáticos de “hueso colorado” no lo creían. Había pasado mucho tiempo por lo que las expectativas se hicieron muy grandes.

Ahora les explico como comenzó todo

El otro error de Lucas (además de ponerse a si mismo como director) fue el de dedicar tiempo para explicar que pasó antes de la primera trilogía.

Tuvo que restringir mucho sus posibilidades y embarcarse en una bola de explicaciones (como estaba la política, el comercio, el monopolio, el senado, el canciller, Nabu y un larguísimo etcétera) con las que ahogó el flujo de la historia.

El amor entre Padme y Anakin, las guerras clónicas, la caída al lado oscuro por parte de Skywalker son temas que “metió” con calzador y su desarrollo es lento y aburrido.

¿Por que no se atrevió a explorar otras opciones? así a lo loco se me ocurre una idea:

Imagínense un par de gemelos, hijos de Leia y Han (hombre y mujer) super sexies y super buena onda, herederos del arrojo de su madre, del cinismo de su padre así como la “jeidad” y el manejo de naves espaciales del pazguato de su tío.

Ambos luchando en contra de aprendices ocultos y misteriosos de Darth Vader; de nuevos usuarios del lado oscuro (que por lo visto era más atractivo que “La Fuerza”).

¡Las posibilidades eran galácticamente infinitas!

La verdad es que hasta la fecha sigo sin entender el razonamiento de Lucas y su obsesión de clavarse en una historia bastante sosa y que, para colmo de males, ya nos sabíamos el final.

(y hubiéramos podido ahorrarnos ver a Jar Jar Binks)